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lunes, 7 de septiembre de 2009
Comentario sobre la obra de Francis Alÿs
Comentario sobre la obra de Francis Alÿs
Para hacer este comentario sobre la obra de Francis Alÿs me basé principalmente en el proyecto Seven Walks, que realizo en Londres, que constó de una serie de videos, de los cuales seleccioné el titulado nightwatch. Esta obra consiste en soltar un zorro en la National Portrait Gallery de Londres cuando esta se encuentra vacía y grabar todos movimientos y recorridos dentro del museo durante toda la noche.
Hay varias ideas que el artista pretende desarrollar con este trabajo, comenzando por el hecho de que se está siendo grabado por las cámaras de seguridad del museo. Esto actualmente es un tema muy controversial, sobre todo en Gran Bretaña, y más a raíz de los atentados que se han sufrido, lo que ha ocasionado que todos los británicos vivan una especie de experiencia del “Big Brother” en todo momento, atentando contra su privacidad. En segundo lugar, esto situación hace referencia también a la “cuasi sacralidad” del museo como recinto e institución, en el cual se necesitan estas cámaras para vigilar lo “bienes” del museo.
Además, hace una crítica a las disciplinas museográficas y curatoriales, quienes trazan estos recorridos dentro de los museos, al compararlos (o compararnos) a ratas de laboratorio que corren por estos laberintos improvisados deliberadamente con el fin de llevar a cabo un experimento.
Me pareció que esta obra podría ejemplificar de manera bastante completa la obra que ha venido realizando Alÿs durante varios años y busque ciertas relaciones de esta obra con algún otro artista contemporáneo. El resultado al que llegue es que en cuanto a la polémica, y posterior critica que se hace sobre el involuntario Big Brother que experimentan en Gran Bretaña con todas estas cámaras, podemos tomar como gran transgresor al artista del graffiti Banksy, que cuenta con toda una serie de obras dedicadas a estas cámaras de vigilancia.
Para hacer este comentario sobre la obra de Francis Alÿs me basé principalmente en el proyecto Seven Walks, que realizo en Londres, que constó de una serie de videos, de los cuales seleccioné el titulado nightwatch. Esta obra consiste en soltar un zorro en la National Portrait Gallery de Londres cuando esta se encuentra vacía y grabar todos movimientos y recorridos dentro del museo durante toda la noche.
Hay varias ideas que el artista pretende desarrollar con este trabajo, comenzando por el hecho de que se está siendo grabado por las cámaras de seguridad del museo. Esto actualmente es un tema muy controversial, sobre todo en Gran Bretaña, y más a raíz de los atentados que se han sufrido, lo que ha ocasionado que todos los británicos vivan una especie de experiencia del “Big Brother” en todo momento, atentando contra su privacidad. En segundo lugar, esto situación hace referencia también a la “cuasi sacralidad” del museo como recinto e institución, en el cual se necesitan estas cámaras para vigilar lo “bienes” del museo.
Además, hace una crítica a las disciplinas museográficas y curatoriales, quienes trazan estos recorridos dentro de los museos, al compararlos (o compararnos) a ratas de laboratorio que corren por estos laberintos improvisados deliberadamente con el fin de llevar a cabo un experimento.
Me pareció que esta obra podría ejemplificar de manera bastante completa la obra que ha venido realizando Alÿs durante varios años y busque ciertas relaciones de esta obra con algún otro artista contemporáneo. El resultado al que llegue es que en cuanto a la polémica, y posterior critica que se hace sobre el involuntario Big Brother que experimentan en Gran Bretaña con todas estas cámaras, podemos tomar como gran transgresor al artista del graffiti Banksy, que cuenta con toda una serie de obras dedicadas a estas cámaras de vigilancia.
Comentario sobre Sinfonias Citadinas
Comentario sobre las “sinfonías citadinas”
Manhatta. (1921). Charles Sheeler. Paul Strand.
Berlin: symphony of a great city. (1927). Walter Ruttmann.
Tanto Manhatta como Berlin… son dos obras cinematográficas de la época de entre guerras que tienen muchas similitudes entre sí, y que fueron fuente de inspiración para muchas otras obras que se realizarían en años posteriores.
Ambas tienen un enfoque principalmente formalista, que busca mostrar una estética muy particular basada en los sucesos cotidianos que ocurren en estas ciudades. Sin embargo estas obras suelen ser criticadas por ser consideradas muy superficiales, a diferencia de El hombre de la cámara de Vertov, quien al verse totalmente involucrado con la ideología soviética de su época plasma sus convicciones de manera “moralizante” o al menos con intención de convencer al espectador. A pesar de estas críticas y de las diferencias que podemos apreciar entre la película de Vertov y las otras dos, podemos ver que si analizamos mas a fondo ambas obras encontraremos, según mi opinión, que también estas fueron pensadas para proyectar una cierta imagen de cada ciudad hacia el exterior, que reflejara los avances tecnológicos, los servicios, las oportunidades, los beneficios y las comodidades que uno podía encontrar en cualquiera de estas ciudades modernas.
Este enfoque, que da gran importancia a la industrialización, el crecimiento económico (y espacial) de las ciudades, los medios de comunicación y transporte que poseen, etc., provoca que se deshumanice la figura humana y que se vea un poco como una masa o como un fluido (en el caso de Regen seria más preciso hablar de un fluido) que circula con la ciudad. Esto nos muestra también que el individuo en estas nuevas metrópolis empieza a mimetizarse con el resto de la multitud, haciéndolo mas apático y de cierta manera más manipulable también.
Por otra parte, creo que estos filmes son utilizados como parte de esos medios masivos que influyen profundamente en el subconsciente de las masas, ya que a mi parecer, podemos encontrar ciertas coincidencias de estas películas con obras como las de Leni Riefenstahl. Cuyas cintas fueron utilizadas como una forma de propaganda para promover cierta ideología. En el caso de Manhatta y de Berlin… creo que buscaban dar la impresión de un crecimiento ilimitado, con un grado de bienestar que era totalmente irreal.
Otra similitud que encuentro entre estas películas (además de el hecho de que Ruttmann trabajó junto con Riefenstahl en el guion de El triunfo de la voluntad) es el trabajo hecho tanto durante el rodaje, con la fotografía y el modo de encuadrar las imágenes, como durante la postproducción, en la edición y el montaje, donde se utilizaron ciertos “trucos” para darle a las películas el enfoque que se buscaba.
Finalmente, creo que podemos entender estas obras como un intento de mostrar la vida cotidiana de forma que favoreciera ciertos ideales o creencias, pero que terminó por ser una puesta en escena que nos habla más sobre el contexto histórico- político de la época.
Manhatta. (1921). Charles Sheeler. Paul Strand.
Berlin: symphony of a great city. (1927). Walter Ruttmann.
Tanto Manhatta como Berlin… son dos obras cinematográficas de la época de entre guerras que tienen muchas similitudes entre sí, y que fueron fuente de inspiración para muchas otras obras que se realizarían en años posteriores.
Ambas tienen un enfoque principalmente formalista, que busca mostrar una estética muy particular basada en los sucesos cotidianos que ocurren en estas ciudades. Sin embargo estas obras suelen ser criticadas por ser consideradas muy superficiales, a diferencia de El hombre de la cámara de Vertov, quien al verse totalmente involucrado con la ideología soviética de su época plasma sus convicciones de manera “moralizante” o al menos con intención de convencer al espectador. A pesar de estas críticas y de las diferencias que podemos apreciar entre la película de Vertov y las otras dos, podemos ver que si analizamos mas a fondo ambas obras encontraremos, según mi opinión, que también estas fueron pensadas para proyectar una cierta imagen de cada ciudad hacia el exterior, que reflejara los avances tecnológicos, los servicios, las oportunidades, los beneficios y las comodidades que uno podía encontrar en cualquiera de estas ciudades modernas.
Este enfoque, que da gran importancia a la industrialización, el crecimiento económico (y espacial) de las ciudades, los medios de comunicación y transporte que poseen, etc., provoca que se deshumanice la figura humana y que se vea un poco como una masa o como un fluido (en el caso de Regen seria más preciso hablar de un fluido) que circula con la ciudad. Esto nos muestra también que el individuo en estas nuevas metrópolis empieza a mimetizarse con el resto de la multitud, haciéndolo mas apático y de cierta manera más manipulable también.
Por otra parte, creo que estos filmes son utilizados como parte de esos medios masivos que influyen profundamente en el subconsciente de las masas, ya que a mi parecer, podemos encontrar ciertas coincidencias de estas películas con obras como las de Leni Riefenstahl. Cuyas cintas fueron utilizadas como una forma de propaganda para promover cierta ideología. En el caso de Manhatta y de Berlin… creo que buscaban dar la impresión de un crecimiento ilimitado, con un grado de bienestar que era totalmente irreal.
Otra similitud que encuentro entre estas películas (además de el hecho de que Ruttmann trabajó junto con Riefenstahl en el guion de El triunfo de la voluntad) es el trabajo hecho tanto durante el rodaje, con la fotografía y el modo de encuadrar las imágenes, como durante la postproducción, en la edición y el montaje, donde se utilizaron ciertos “trucos” para darle a las películas el enfoque que se buscaba.
Finalmente, creo que podemos entender estas obras como un intento de mostrar la vida cotidiana de forma que favoreciera ciertos ideales o creencias, pero que terminó por ser una puesta en escena que nos habla más sobre el contexto histórico- político de la época.
Comentario de la lectura sobre Flaneur
Comentario de la lectura sobre Flaneur
Lo que me pareció más importante de esta lectura fue el hecho de darle importancia al personaje del badaud y ponerlo al nivel (o al menos cerca) del que tiene el flaneur, como observador que deambula por las ciudades modernas.
Como es sabido, el flaneur juega un papel privilegiado dentro del “convivio” citadino, con su gran sensibilidad y aires aristócratas, sin embargo, el papel del badaud va tomando gran importancia sobre todo con la ayuda de los medios de comunicación en masa. Aunque creo que sería justo decir que tanto el badaud como los medios masivos de comunicación se favorecen y de cierta manera se ayudan a sobresalir mutuamente. Una vez dicho esto, es importante también decir que estos dos personajes siguen teniendo sus diferencias y que son estas diferencias las que enriquecen la interacción de ambos.
Según mi opinión, y a pesar de lo que pueda pensarse comúnmente en relación a que el papel actual que juega el artista es equivalente al del flaneur, creo que esto no sería del todo preciso, ya que, aunque muestra muchas de sus cualidades y características, como la gran sensibilidad y poder de observación, también creo que actualmente es necesario mezclarse con la gente que va a conformar tu público para poder entender cuáles son sus expectativas. Por lo tanto, creo que en ese aspecto debe cumplir un poco con la función del badaud.
Por otra parte, creo que actualmente el publico o espectador ha dejado de encajar cabalmente en el rol del badaud y ha empezado también a tomar elementos del flaneur, no solo en cuanto a la sensibilidad, sino también en cuanto a no ser un público pasivo y tener una actitud crítica sobre lo que se le presenta.
Asimismo, tanto el artista, como el espectador o la prensa, han tomado elementos que actualmente se podrían tomar como herramientas relacionadas a las labores del flaneur, como la cámara fotográfica, haciendo más ambigua la división entre todas ellas, así como más completa su labor.
Lo que me pareció más importante de esta lectura fue el hecho de darle importancia al personaje del badaud y ponerlo al nivel (o al menos cerca) del que tiene el flaneur, como observador que deambula por las ciudades modernas.
Como es sabido, el flaneur juega un papel privilegiado dentro del “convivio” citadino, con su gran sensibilidad y aires aristócratas, sin embargo, el papel del badaud va tomando gran importancia sobre todo con la ayuda de los medios de comunicación en masa. Aunque creo que sería justo decir que tanto el badaud como los medios masivos de comunicación se favorecen y de cierta manera se ayudan a sobresalir mutuamente. Una vez dicho esto, es importante también decir que estos dos personajes siguen teniendo sus diferencias y que son estas diferencias las que enriquecen la interacción de ambos.
Según mi opinión, y a pesar de lo que pueda pensarse comúnmente en relación a que el papel actual que juega el artista es equivalente al del flaneur, creo que esto no sería del todo preciso, ya que, aunque muestra muchas de sus cualidades y características, como la gran sensibilidad y poder de observación, también creo que actualmente es necesario mezclarse con la gente que va a conformar tu público para poder entender cuáles son sus expectativas. Por lo tanto, creo que en ese aspecto debe cumplir un poco con la función del badaud.
Por otra parte, creo que actualmente el publico o espectador ha dejado de encajar cabalmente en el rol del badaud y ha empezado también a tomar elementos del flaneur, no solo en cuanto a la sensibilidad, sino también en cuanto a no ser un público pasivo y tener una actitud crítica sobre lo que se le presenta.
Asimismo, tanto el artista, como el espectador o la prensa, han tomado elementos que actualmente se podrían tomar como herramientas relacionadas a las labores del flaneur, como la cámara fotográfica, haciendo más ambigua la división entre todas ellas, así como más completa su labor.
Comentario sobre Walkscapes 1
Comentario sobre Walkscapes 1
La lectura de Walkscapes inicia haciendo ciertas afirmaciones y suposiciones que, según mi parecer, no terminan por ser demostradas o incluso sustentadas del todo, sin embargo, si pasamos por alto estas “ambigüedades” podemos dirigirnos al hecho de que la forma y el enfoque en la que abordan temas como el sedentarismo y el nomadismo, los espacios “abiertos” o “cerrados”, o la transición entre los mismos, dan pie a un sin numero de nuevas aproximaciones al hecho de recorrer un espacio, y al recorrerlo, modificarlo con nuestra sola presencia.
Hay algunos puntos específicos que me parecieron remarcables en la lectura. El primero es el hecho de que, al recorrer un espacio, gradualmente vamos “conociéndolo” y con esto comenzamos a establecer ciertas relaciones con los pequeños detalles de la naturaleza, a los que inevitablemente se les asigna un significado, haciendo con esto que inicie una especie de protoarquitectura del paisaje, en la que a través de este deambular se da un proceso de construcción de nuevos conceptos, que transforman nuestro entorno.
Es también interesante la forma en que aborda temas como los espacios fronterizos, limites, o de transición, en donde se fusionan los lugares para “estar” y para “recorrer”, los espacios “abiertos” y “cerrados”, o simplemente los espacios “vacios”, y cómo estas zonas comparten ciertas peculiaridades que las hacen fundamentales para sus habitantes.
Un artista cuya obra creo que podría estar muy relacionada con todos estos conceptos es la que realiza Richard Long, artista británico principalmente reconocido por su trabajo en el campo del land art.
Su trabajo muestra recurrentemente la importancia de la interacción del hombre con la naturaleza y da gran importancia al hecho de transitar por un espacio. Algunas de sus obras consisten en caminar por un mismo sendero cierto número de veces para así dejar la huella de su intervención, perturbando con esto no solo el aspecto físico del lugar, sino también la percepción que uno tiene del tiempo transcurrido o de la distancia recorrida.
También tiene otras piezas escultóricas que podrían asemejarse al concepto que el autor en walkscapes trata de atribuirle al menhir y a toda esta serie de “edificaciones” neolíticas, como hitos del paisaje y conceptuales, que ayudan a conocer, medir, mapear, etc. un espacio determinado.
Y finalmente, me pareció muy útil la forma en que aborda ciertos términos, dando toda una explicación etimológica de su origen y de cómo su uso, es decir, su paso, su devenir, su travesía por el habla cotidiana los han ido transformando y enriqueciendo.
Obra de Richard Long
a line made by walking
A circle in the Andes
La lectura de Walkscapes inicia haciendo ciertas afirmaciones y suposiciones que, según mi parecer, no terminan por ser demostradas o incluso sustentadas del todo, sin embargo, si pasamos por alto estas “ambigüedades” podemos dirigirnos al hecho de que la forma y el enfoque en la que abordan temas como el sedentarismo y el nomadismo, los espacios “abiertos” o “cerrados”, o la transición entre los mismos, dan pie a un sin numero de nuevas aproximaciones al hecho de recorrer un espacio, y al recorrerlo, modificarlo con nuestra sola presencia.
Hay algunos puntos específicos que me parecieron remarcables en la lectura. El primero es el hecho de que, al recorrer un espacio, gradualmente vamos “conociéndolo” y con esto comenzamos a establecer ciertas relaciones con los pequeños detalles de la naturaleza, a los que inevitablemente se les asigna un significado, haciendo con esto que inicie una especie de protoarquitectura del paisaje, en la que a través de este deambular se da un proceso de construcción de nuevos conceptos, que transforman nuestro entorno.
Es también interesante la forma en que aborda temas como los espacios fronterizos, limites, o de transición, en donde se fusionan los lugares para “estar” y para “recorrer”, los espacios “abiertos” y “cerrados”, o simplemente los espacios “vacios”, y cómo estas zonas comparten ciertas peculiaridades que las hacen fundamentales para sus habitantes.
Un artista cuya obra creo que podría estar muy relacionada con todos estos conceptos es la que realiza Richard Long, artista británico principalmente reconocido por su trabajo en el campo del land art.
Su trabajo muestra recurrentemente la importancia de la interacción del hombre con la naturaleza y da gran importancia al hecho de transitar por un espacio. Algunas de sus obras consisten en caminar por un mismo sendero cierto número de veces para así dejar la huella de su intervención, perturbando con esto no solo el aspecto físico del lugar, sino también la percepción que uno tiene del tiempo transcurrido o de la distancia recorrida.
También tiene otras piezas escultóricas que podrían asemejarse al concepto que el autor en walkscapes trata de atribuirle al menhir y a toda esta serie de “edificaciones” neolíticas, como hitos del paisaje y conceptuales, que ayudan a conocer, medir, mapear, etc. un espacio determinado.
Y finalmente, me pareció muy útil la forma en que aborda ciertos términos, dando toda una explicación etimológica de su origen y de cómo su uso, es decir, su paso, su devenir, su travesía por el habla cotidiana los han ido transformando y enriqueciendo.
Obra de Richard Long
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