Evolucion del arte urbano derivado del graffiti
El arte urbano es un fenómeno global que se ha venido expandiendo, desde sus inicios cuando surge como graffiti en Estados Unidos, a finales del siglo XX, para posteriormente separase en varias especialidades. Estas nuevas especialidades, que tienen su origen en el graffiti convencional, han ido incorporando nuevos métodos y técnicas, procedentes de un sinnúmero de disciplinas complementarias, lo que las diferencia y convierte en disciplinas totalmente independientes las unas de las otras.
Estas ramificaciones de las artes graficas aplicadas en espacios urbanos públicos y privados, debido a su corto “periodo de vida” tienden a ser muy cambiantes, y esto aunado a su inmediatez y novedad, hacen que todavía esté pendiente una definición de las mismas y un análisis más profundo en muchos aspectos. Pero es también por esto que son expresiones artísticas tan vigentes y actuales.
Además es importante tomar en cuenta la gran variedad de temas, imágenes y símbolos que este arte utiliza, que se han ido convirtiendo en elementos recurrentes en el paisaje de las grandes ciudades, y han entablado una estrecha relación con la cultura de la cual toman algunos de los recursos, pero que a su vez le sirven de influencia.
Por otra parte, debemos pensar en la evolución que ha tenido el graffiti y cómo este ha ido entablando una relación muy complicada con el mundo del arte establecido. Relación que se ha venido dando con el acercamiento y la aceptación del graffiti por parte del mundo del arte institucionalizado, buscando la inclusión del arte urbano (callejero) dentro de los espacios aceptados e institucionalizados del arte, planteando la posibilidad de obtener ciertos beneficios, pero también causando una gran polémica y un sinnúmero de contradicciones.
Asimismo, sería interesante tratar el tema del uso de la apropiación en el post-graffiti como elemento recurrente que está presente en los contenidos y las técnicas, así como en las locaciones y los soportes que utiliza.
Fuentes:
Manco, Tristan. Stencil graffiti. Thames & Hudson. Reino Unido. 2006.
Walde, Claudia. Sticker city, paper graffiti art. Thames & Hudson. Reino Unido. 2007.
Banksy. Banksy, Wall and Piece. Century. Reino Unido. 2006.
Manco, Tristan. Street logos. Thames & Hudson. Reino Unido. 2005.
Bou, Louis. Street art. Monsa. Barcelona. 2005.
http://www.buffmonster.com/art.php?type=street
http://www.tristanmanco.com
http://www.esquinanorte.com/flashesp.htm
http://www.watchavato.com.mx/index.html
http://www.banksy.co.uk/
http://www.fafi.net/accueil.html
http://graffitiresearchlab.com/
http://www.blublu.org
martes, 19 de octubre de 2010
One Place After Another de Miwon Kwon
Miwon Kwon empieza haciendo algunas precisiones en las que habla sobre el uso muchas veces equivocado del concepto site-specificity. Esto ha sido provocado en gran medida por el uso indiscriminado tanto de los artistas para con este justificar algún aspecto de su obra, como por las instituciones, los críticos, los historiadores, curadores, para tratar de hacer un análisis más profundo y significativo de las nuevas manifestaciones.
En gran medida esta sobrexplotación del termino comenzó con el surgimiento de las nuevas categorías estéticas, derivadas del arte conceptual a mediados del siglo XX, cuando las expresiones empezaron a independizarse de los museos y a apropiarse de nuevos espacios que generalmente no estaban destinados para este tipo de representación. Así se empezó a experimentar con la importancia del marco de presentación de la obra, así como con el entorno de la misma y, eventualmente, estos nuevos sitios se volvieron parte de la misma manifestación, entrando incluso en el proceso de diseño y planificación de esta.
Aunque estoy de acuerdo en que se tiene que estudiar el concepto del site-specificity y sus posibilidades, creo que el enfoque que tiene la investigación de Kwon es de cierto modo estrecho, ya que aunque sus argumentos son validos y correctos, no abarca todas las posible manifestaciones relacionadas con el concepto y esto hace que sus afirmaciones muchas veces no sean aplicables a nuevas categorías del arte actual. Por lo menos esa fue la sensación que me dejó la lectura de este libro (los primeros capítulos), aunque podría estar anticipando un juicio sin tener toda la información.
Fuentes:
Kwon, M. One place after another. (introducción, capítulo 1 y 2).
http://www.google.com.mx/imgres?imgurl=http://chicagoartcriticism.com/wp-content/uploads/2010/03/robert_smithson_woodshed.jpg&imgrefurl=http://chicagoartcriticism.com/2010/03/05/review-miwon-kwon-one-place-after-another/&usg=__eHIjVHN61smMnfCiZbAFr64i64I=&h=367&w=500&sz=83&hl=es&start=2&zoom=1&um=1&itbs=1&tbnid=aIO2nfGhIkIM_M:&tbnh=95&tbnw=130&prev=/images%3Fq%3Done%2Bplace%2Bafter%2Banother%2BMiwon%2BKwon%26um%3D1%26hl%3Des%26tbs%3Disch:1
*las consultas de internet fueron realizadas en octubre de 2010.
Miwon Kwon empieza haciendo algunas precisiones en las que habla sobre el uso muchas veces equivocado del concepto site-specificity. Esto ha sido provocado en gran medida por el uso indiscriminado tanto de los artistas para con este justificar algún aspecto de su obra, como por las instituciones, los críticos, los historiadores, curadores, para tratar de hacer un análisis más profundo y significativo de las nuevas manifestaciones.
En gran medida esta sobrexplotación del termino comenzó con el surgimiento de las nuevas categorías estéticas, derivadas del arte conceptual a mediados del siglo XX, cuando las expresiones empezaron a independizarse de los museos y a apropiarse de nuevos espacios que generalmente no estaban destinados para este tipo de representación. Así se empezó a experimentar con la importancia del marco de presentación de la obra, así como con el entorno de la misma y, eventualmente, estos nuevos sitios se volvieron parte de la misma manifestación, entrando incluso en el proceso de diseño y planificación de esta.
Aunque estoy de acuerdo en que se tiene que estudiar el concepto del site-specificity y sus posibilidades, creo que el enfoque que tiene la investigación de Kwon es de cierto modo estrecho, ya que aunque sus argumentos son validos y correctos, no abarca todas las posible manifestaciones relacionadas con el concepto y esto hace que sus afirmaciones muchas veces no sean aplicables a nuevas categorías del arte actual. Por lo menos esa fue la sensación que me dejó la lectura de este libro (los primeros capítulos), aunque podría estar anticipando un juicio sin tener toda la información.
Fuentes:
Kwon, M. One place after another. (introducción, capítulo 1 y 2).
http://www.google.com.mx/imgres?imgurl=http://chicagoartcriticism.com/wp-content/uploads/2010/03/robert_smithson_woodshed.jpg&imgrefurl=http://chicagoartcriticism.com/2010/03/05/review-miwon-kwon-one-place-after-another/&usg=__eHIjVHN61smMnfCiZbAFr64i64I=&h=367&w=500&sz=83&hl=es&start=2&zoom=1&um=1&itbs=1&tbnid=aIO2nfGhIkIM_M:&tbnh=95&tbnw=130&prev=/images%3Fq%3Done%2Bplace%2Bafter%2Banother%2BMiwon%2BKwon%26um%3D1%26hl%3Des%26tbs%3Disch:1
*las consultas de internet fueron realizadas en octubre de 2010.
This way Brouwn + I went
Stanley Brouwn expone una obra (This way Brouwn, 1961) que consiste en una serie de “croquis” realizados por un grupo de personas elegido al azar, a los que se les pide que dibujen sobre una hoja de papel la explicación de cómo llegar de un punto A a un punto B, previamente determinados, dentro de la ciudad. El artista simplemente toma esta hoja con indicaciones, le imprime un sello que dice “this way brouwn” y las firma.
Esta obra tiene muchas peculiaridades que pueden ser analizadas, como por ejemplo el hecho de que el artista no es el autor de la obra en sí, sino que simplemente es el autor de la idea y solo la lleva a cabo y la registra. Esto nos introduce en el debate sobre la apropiación y la originalidad de la obra que se expone. También es interesante el fenómeno que acontece al pedir a los transeúntes que expliquen las indicaciones y cómo estos al conocer el recorrido que se debe seguir, muchas veces omiten algunas partes de la explicación o simplemente la mencionan, pero sin anotarla o dibujarla en el papel, lo que hace muy singulares, pero a la vez confusas, las indicaciones dadas, permitiéndonos conocer y estudiar las distintas formas de percepción del espacio que tiene cada personaje, así como cuales son los intereses (psicogeográficos dirían los situacionistas) de cada transeúnte y a cuales les dedica mas atención.
A su vez, On Kawara realiza un proyecto, entre 1968 y 1979, consistente en tres partes. La primera parte, llamada Today: i got up at, compuesta por postales de diferentes lugares en los que había pasado la noche, donde ponía la fecha y la hora a la que se había despertado. La segunda parte, llamada I met, que consistía en una lista de personas a las que el artista había visto durante ese día, mecanografiada en papel y con la fecha del día. Y finalmente, la tercera parte, llamada I went, que consiste en un trayecto trazado con pluma roja sobre fotocopias de mapas, donde se documentaban sus movimientos a lo largo del día por la zona en la que vivía o que visitaba. Esta serie fue ampliándose diariamente y concluyo de forma simultánea el 17 de septiembre de 1979.
En los trabajos de ambos artistas podemos ver un interés por los recorridos urbano y las distintas formas posibles de registrarlos, que integran la variante de cómo cada persona percibe estos recorridos. Además ambas se apropian de objetos que han sido realizados por terceros (en el caso de Brouwn los “croquis” y en el de Kawara las postales o las copias de los mapas), a los cuales se les interviene (físicamente) de manera mínima y el carácter creativo-estético de la obra reside en la idea de hacer este registro.
Fuentes:
Osborne. Arte conceptual. Phaidon. Londres. 2006.
http://www.google.com.mx/imgres?imgurl=http://phomul.canalblog.com/images/09_brouwn.jpg&imgrefurl=http://phomul.canalblog.com/archives/2005/02/18/470305.html&usg=__yF3YTKycv-GPmDufx3ZvBPkYMjA=&h=430&w=544&sz=22&hl=es&start=3&zoom=1&um=1&itbs=1&tbnid=081VQBiUgkQdXM:&tbnh=105&tbnw=133&prev=/images%3Fq%3Dthis%2Bway%2Bbrouwn%26um%3D1%26hl%3Des%26sa%3DN%26tbs%3Disch:1
http://www.google.com.mx/imgres?imgurl=http://www.artlies.org/_issues/59/reviews/da.simblist.OnKawara2.jpg&imgrefurl=http://artesigloxxi.wordpress.com/category/performance/&usg=__2XGoJxmw5A_OTlgOOZKMVHkS2Ks=&h=618&w=444&sz=333&hl=es&start=1&zoom=1&um=1&itbs=1&tbnid=SqvitIuJWKd6MM:&tbnh=136&tbnw=98&prev=/images%3Fq%3Di%2Bwent%2Bon%2Bkawara%26um%3D1%26hl%3Des%26tbs%3Disch:
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*las consultas fueron realizadas en octubre de 2010.
Stanley Brouwn expone una obra (This way Brouwn, 1961) que consiste en una serie de “croquis” realizados por un grupo de personas elegido al azar, a los que se les pide que dibujen sobre una hoja de papel la explicación de cómo llegar de un punto A a un punto B, previamente determinados, dentro de la ciudad. El artista simplemente toma esta hoja con indicaciones, le imprime un sello que dice “this way brouwn” y las firma.
Esta obra tiene muchas peculiaridades que pueden ser analizadas, como por ejemplo el hecho de que el artista no es el autor de la obra en sí, sino que simplemente es el autor de la idea y solo la lleva a cabo y la registra. Esto nos introduce en el debate sobre la apropiación y la originalidad de la obra que se expone. También es interesante el fenómeno que acontece al pedir a los transeúntes que expliquen las indicaciones y cómo estos al conocer el recorrido que se debe seguir, muchas veces omiten algunas partes de la explicación o simplemente la mencionan, pero sin anotarla o dibujarla en el papel, lo que hace muy singulares, pero a la vez confusas, las indicaciones dadas, permitiéndonos conocer y estudiar las distintas formas de percepción del espacio que tiene cada personaje, así como cuales son los intereses (psicogeográficos dirían los situacionistas) de cada transeúnte y a cuales les dedica mas atención.
A su vez, On Kawara realiza un proyecto, entre 1968 y 1979, consistente en tres partes. La primera parte, llamada Today: i got up at, compuesta por postales de diferentes lugares en los que había pasado la noche, donde ponía la fecha y la hora a la que se había despertado. La segunda parte, llamada I met, que consistía en una lista de personas a las que el artista había visto durante ese día, mecanografiada en papel y con la fecha del día. Y finalmente, la tercera parte, llamada I went, que consiste en un trayecto trazado con pluma roja sobre fotocopias de mapas, donde se documentaban sus movimientos a lo largo del día por la zona en la que vivía o que visitaba. Esta serie fue ampliándose diariamente y concluyo de forma simultánea el 17 de septiembre de 1979.
En los trabajos de ambos artistas podemos ver un interés por los recorridos urbano y las distintas formas posibles de registrarlos, que integran la variante de cómo cada persona percibe estos recorridos. Además ambas se apropian de objetos que han sido realizados por terceros (en el caso de Brouwn los “croquis” y en el de Kawara las postales o las copias de los mapas), a los cuales se les interviene (físicamente) de manera mínima y el carácter creativo-estético de la obra reside en la idea de hacer este registro.
Fuentes:
Osborne. Arte conceptual. Phaidon. Londres. 2006.
http://www.google.com.mx/imgres?imgurl=http://phomul.canalblog.com/images/09_brouwn.jpg&imgrefurl=http://phomul.canalblog.com/archives/2005/02/18/470305.html&usg=__yF3YTKycv-GPmDufx3ZvBPkYMjA=&h=430&w=544&sz=22&hl=es&start=3&zoom=1&um=1&itbs=1&tbnid=081VQBiUgkQdXM:&tbnh=105&tbnw=133&prev=/images%3Fq%3Dthis%2Bway%2Bbrouwn%26um%3D1%26hl%3Des%26sa%3DN%26tbs%3Disch:1
http://www.google.com.mx/imgres?imgurl=http://www.artlies.org/_issues/59/reviews/da.simblist.OnKawara2.jpg&imgrefurl=http://artesigloxxi.wordpress.com/category/performance/&usg=__2XGoJxmw5A_OTlgOOZKMVHkS2Ks=&h=618&w=444&sz=333&hl=es&start=1&zoom=1&um=1&itbs=1&tbnid=SqvitIuJWKd6MM:&tbnh=136&tbnw=98&prev=/images%3Fq%3Di%2Bwent%2Bon%2Bkawara%26um%3D1%26hl%3Des%26tbs%3Disch:
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*las consultas fueron realizadas en octubre de 2010.
Affichages sauvages + Hartford wash + Shapolsky et al. Manhattan Real Estate Holdings, a Real-Time Social System, as of 1 May 1971 + Homes for America
La obra de estos artistas muestra una preocupación por hacer una fuerte crítica social, así como también una crítica a la institución museística, a los medios de comunicación (y publicidad) masivas. También muestra la inquietud de los artistas por tratar temas como el medio ambiente, el cuidado y mantenimiento del arte, la apropiación de espacios publico, la especulación, entre otras cosas. Todas están relacionadas con las tensiones generadas en las relaciones jerárquicas de poder que se establecen, ya sea en el ámbito de la vida cotidiana, o en el institucional.
Mierle Laderman Ukeles realizo sus primeras intervenciones en espacios públicos entre 1973 y 1976, que consistían en performances que planteaban la importancia del mantenimiento y la copropiedad del espacio público, gracias a los cuales “todos tenemos derecho a voz en todos ellos”. En sus obras Hartford Wash: Washing, tracks, maintenance: outside (1973) y Touch Sanitation (1969), trata de desmitificar el supuesto roll que deben jugar la mujeres dentro del ámbito cultural y social, en los que se encasilla como una “ama de casa” encargada del mantenimiento o la limpieza. Esto da inicio a toda una corriente de arte feminista que busca el reconocimiento del papel de la mujer en el arte.
Además, sugiere eliminar la idea de que los gestores de las instituciones son los dueños de la propia cultura, excluyendo al resto de los participantes (entiéndase que busca involucrar al espectador como parte de la obra).
Sus trabajos fueron documentados a través de la redacción de un manifiesto en el que aglomeraba sus ideas, así como de varias series fotográficas, donde se muestra a la propia Mierle Ukeles limpiando la explanada, las escaleras de ingreso y las salas del museo. Y es este acto de apropiarse del espacio (casi sagrado) del museo para realizar estas actividades “banales” o “impuras” lo que completa la obra y la crítica.
En el caso de Affichages sauvages de Daniel Buren (1968), la cual es una obra que consiste en una serie de fotografías/souvenir, que muestran una serie de laminas rectangulares hechas a base de tiras de papel blancas y verdes, realizadas por el artista y colocadas en diversos anuncios publicitarios de la ciudad de Paris, el artista intenta sacar a la obra de arte de su marco de exposición convencional, obligando al espectador (y a los miembros del mainstream del arte) a observar, analizar, y por lo mismo, darle importancia al entorno de la obra. Los elementos alrededor de los affiches se vuelven parte de la obra, incluso cuando no son objetos “pertenecientes” al mundo artístico y la ubicación (el sitio específico) se vuelve determinante para resignificar el objeto.
Por otra parte se encuentran las obras Shapolsky et al. Manhattan Real Estate Holdings, a Real-Time Social Sistem, as of 1 May 1971 y Homes for America (1966), de Hans Haacke y Dan Graham respectivamente. Relaciono estas dos obras por el hecho de que, el punto más importante o interesante que encuentro en ellas (el cual comparten), es básicamente que se trata de trabajos de arte destinados a la denuncia. Ya sea una denuncia de las condiciones y tendencias sociales, o de las condiciones y la corrupción en la política de las altas esferas.
En el caso de Haacke, su obra intenta sacar a la luz la corrupción de un corredor de bienes raíces de la ciudad de Nueva York, que utiliza la especulación para empobrecer ciertos vecindarios y así apropiarse de varios inmueble para posteriormente negociar con ellos.
El caso de Graham muestra una serie de fotografías en la que muestra la forma en la que se están construyendo las nueva viviendas “de tipo americano”, que tienden a realizarse en una especie de serie de ensamblaje, a la manera de las viviendas de interés social, que utilizan materiales prefabricados para “empaquetar” a sus moradores.
La importancia de estos tipos de manifestaciones artísticas (a mi parecer) no reside solo en el hecho estético, sino en que desembocan en un activismo social que moviliza al espectador, o por lo menos deja en evidencia los problemas sociales que nos aquejan.
Fuentes:
Osborne. Arte conceptual. Phaidon. Londres. 2006.
Kwon, Miwon. One place after another.
http://www.learn.columbia.edu/fa/images/large/kc_femart_ukeles_81.jpg
http://www.google.com.mx/imgres?imgurl=http://urbanario.es/wp-content/uploads/2008/10/buren2.jpg&imgrefurl=http://urbanario.es/archives/198&usg=__4ntTAEcIdNxDzqGUL-IQM0PZyVc=&h=369&w=550&sz=39&hl=es&start=24&zoom=1&um=1&itbs=1&tbnid=yEw10zWLfLa1oM:&tbnh=89&tbnw=133&prev=/images%3Fq%3DAffichages%2Bsauvages%26start%3D20%26um%3D1%26hl%3Des%26sa%3DN%26ndsp%3D20%26tbs%3Disch:1
http://www.google.com.mx/imgres?imgurl=http://representingplace.files.wordpress.com/2010/01/haacke-shapol.jpg&imgrefurl=http://representingplace.wordpress.com/tag/house/&usg=__w0uDtMxl52cfi39sb2YR73QaM5E=&h=721&w=629&sz=94&hl=es&start=22&zoom=1&um=1&itbs=1&tbnid=1DlqDAWb3URn6M:&tbnh=140&tbnw=122&prev=/images%3Fq%3DShapolsky%2Bet%2Bal%26start%3D20%26um%3D1%26hl%3Des%26sa%3DN%26ndsp%3D20%26tbs%3Disch:1
*las consultas de internet se realizaron en octubre de 2010.
La obra de estos artistas muestra una preocupación por hacer una fuerte crítica social, así como también una crítica a la institución museística, a los medios de comunicación (y publicidad) masivas. También muestra la inquietud de los artistas por tratar temas como el medio ambiente, el cuidado y mantenimiento del arte, la apropiación de espacios publico, la especulación, entre otras cosas. Todas están relacionadas con las tensiones generadas en las relaciones jerárquicas de poder que se establecen, ya sea en el ámbito de la vida cotidiana, o en el institucional.
Mierle Laderman Ukeles realizo sus primeras intervenciones en espacios públicos entre 1973 y 1976, que consistían en performances que planteaban la importancia del mantenimiento y la copropiedad del espacio público, gracias a los cuales “todos tenemos derecho a voz en todos ellos”. En sus obras Hartford Wash: Washing, tracks, maintenance: outside (1973) y Touch Sanitation (1969), trata de desmitificar el supuesto roll que deben jugar la mujeres dentro del ámbito cultural y social, en los que se encasilla como una “ama de casa” encargada del mantenimiento o la limpieza. Esto da inicio a toda una corriente de arte feminista que busca el reconocimiento del papel de la mujer en el arte.
Además, sugiere eliminar la idea de que los gestores de las instituciones son los dueños de la propia cultura, excluyendo al resto de los participantes (entiéndase que busca involucrar al espectador como parte de la obra).
Sus trabajos fueron documentados a través de la redacción de un manifiesto en el que aglomeraba sus ideas, así como de varias series fotográficas, donde se muestra a la propia Mierle Ukeles limpiando la explanada, las escaleras de ingreso y las salas del museo. Y es este acto de apropiarse del espacio (casi sagrado) del museo para realizar estas actividades “banales” o “impuras” lo que completa la obra y la crítica.
En el caso de Affichages sauvages de Daniel Buren (1968), la cual es una obra que consiste en una serie de fotografías/souvenir, que muestran una serie de laminas rectangulares hechas a base de tiras de papel blancas y verdes, realizadas por el artista y colocadas en diversos anuncios publicitarios de la ciudad de Paris, el artista intenta sacar a la obra de arte de su marco de exposición convencional, obligando al espectador (y a los miembros del mainstream del arte) a observar, analizar, y por lo mismo, darle importancia al entorno de la obra. Los elementos alrededor de los affiches se vuelven parte de la obra, incluso cuando no son objetos “pertenecientes” al mundo artístico y la ubicación (el sitio específico) se vuelve determinante para resignificar el objeto.
Por otra parte se encuentran las obras Shapolsky et al. Manhattan Real Estate Holdings, a Real-Time Social Sistem, as of 1 May 1971 y Homes for America (1966), de Hans Haacke y Dan Graham respectivamente. Relaciono estas dos obras por el hecho de que, el punto más importante o interesante que encuentro en ellas (el cual comparten), es básicamente que se trata de trabajos de arte destinados a la denuncia. Ya sea una denuncia de las condiciones y tendencias sociales, o de las condiciones y la corrupción en la política de las altas esferas.
En el caso de Haacke, su obra intenta sacar a la luz la corrupción de un corredor de bienes raíces de la ciudad de Nueva York, que utiliza la especulación para empobrecer ciertos vecindarios y así apropiarse de varios inmueble para posteriormente negociar con ellos.
El caso de Graham muestra una serie de fotografías en la que muestra la forma en la que se están construyendo las nueva viviendas “de tipo americano”, que tienden a realizarse en una especie de serie de ensamblaje, a la manera de las viviendas de interés social, que utilizan materiales prefabricados para “empaquetar” a sus moradores.
La importancia de estos tipos de manifestaciones artísticas (a mi parecer) no reside solo en el hecho estético, sino en que desembocan en un activismo social que moviliza al espectador, o por lo menos deja en evidencia los problemas sociales que nos aquejan.
Fuentes:
Osborne. Arte conceptual. Phaidon. Londres. 2006.
Kwon, Miwon. One place after another.
http://www.learn.columbia.edu/fa/images/large/kc_femart_ukeles_81.jpg
http://www.google.com.mx/imgres?imgurl=http://urbanario.es/wp-content/uploads/2008/10/buren2.jpg&imgrefurl=http://urbanario.es/archives/198&usg=__4ntTAEcIdNxDzqGUL-IQM0PZyVc=&h=369&w=550&sz=39&hl=es&start=24&zoom=1&um=1&itbs=1&tbnid=yEw10zWLfLa1oM:&tbnh=89&tbnw=133&prev=/images%3Fq%3DAffichages%2Bsauvages%26start%3D20%26um%3D1%26hl%3Des%26sa%3DN%26ndsp%3D20%26tbs%3Disch:1
http://www.google.com.mx/imgres?imgurl=http://representingplace.files.wordpress.com/2010/01/haacke-shapol.jpg&imgrefurl=http://representingplace.wordpress.com/tag/house/&usg=__w0uDtMxl52cfi39sb2YR73QaM5E=&h=721&w=629&sz=94&hl=es&start=22&zoom=1&um=1&itbs=1&tbnid=1DlqDAWb3URn6M:&tbnh=140&tbnw=122&prev=/images%3Fq%3DShapolsky%2Bet%2Bal%26start%3D20%26um%3D1%26hl%3Des%26sa%3DN%26ndsp%3D20%26tbs%3Disch:1
*las consultas de internet se realizaron en octubre de 2010.
Comentario sobre Un recorrido por los monumentos de Passaic Nueva Jersey de Robert Smithson
Robert Smithson realiza Un recorrido por los monumentos de Passaic, New Jersey (literalmente realiza el recorrido, no solo hace una obra llamada así) y a partir de este expone en la Dwan Gallery en Nueva York. En un principio su recorrido no me pareció muy particular, interesante o siquiera relevante, pero luego de volver a leer el artículo y de leer lo que escribe F. Careri en Walkscapes sobre este proyecto, me pareció sumamente interesante y profundo.
En primer lugar, surge la duda de Careri (y supongo que en todos los que se hayan topado con Smithson) de en que consiste (de facto) la obra Un recorrido…, ya que una cosa es la visita, otra cosa los anuncios o la exposición que presentó. Lo que yo creo es que, de la misma forma en que los situacionistas “superaron” (o desarrollaron mas ampliamente) el concepto de “deriva” originadas de la visitas surrealistas o dadaístas, igualmente Smithson lleva hasta sus “ultimas consecuencias” este mismo concepto. Los situacionistas se quejaban del azar empleado por sus predecesores, así como de la falta de registro de sus deambulaciones y propusieron nuevas reglas y el mapeo de las derivas para profundizar en la experiencia.
Por su parte, Smithson realiza su propia “deriva”, un recorrido, que conduce al visitante por una excursión no solo física sino también mental, en la cual los invita a perderse, explorar y descubrir. Además realiza un mapa del lugar que se visitará junto con sus “monumentos” más significativos. Hasta aquí no difiere demasiado de la propuesta situacionista.
Luego organiza una exposición en donde se exhibirán los monumentos (o por lo menos uno pensaría eso), sin embargo esta sirve para publicitar su viaje e invitar a un turismo suburbano propio. Cabe apuntar que todo este aparato publicitario, como bien dice Careri, también forma parte de la obra.
Al mismo tiempo, escribe un artículo en el que se narra el recorrido, se toman notas y hace descripciones físico-alegórico-metafóricas de los monumentos que va encontrando a su paso.
Y finalmente, también hace un registro fotográfico de sus descubrimientos, llevando a cabo todos los procesos que los situacionistas dejaron en la ambigüedad, gracias a lo cual muchas de sus obras no llegaron a ser muy conocidas ni estudiadas. Ahí reside uno de los principales “avances” de Smithson.
A partir de todos estos elementos desarrolla un par de conceptos que me parece que es muy importante rescatarlos. El primero es el de la “ruina invertida”, la cual surge (generalmente) en espacios como los suburbios, en el que el tiempo parece ausentarse y donde la naturaleza y el entorno se apropian de los elementos artificiales transformándolos en estos monumentos a visitar. Y el segundo que deriva del concepto anterior es el de la “entropologia” que es una especie de nueva disciplina, propuesta por Levi-Strauss, que explica o mide las posibilidades relacionales de cada espacio.
Fuentes:
Smithson, Robert. Un recorrido por los monumentos de Passaic, New Jersey.
Careri, F. Walkscapes. El andar como practica estética. Ed. Gustavo Gili. Barcelona, España. 2002.
http://www.google.com.mx/imgres?imgurl=https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhML8wyQiTaHTDzevd4ZUy3WD7KyV3CicV5lbOz3EvjjKcTBLYst5eDJO-BT2VrkMrUPr5fEX7zJRhJQchXwsWU9E3Sj6OVt_9iPnW4XBqZ6jiAVh0fz8rLqNfwATIBSpoeVY84QAw-LlaJ/s320/monument-passaic_300.jpg&imgrefurl=http://valentinaleizgold.blogspot.com/2009_04_01_archive.html&usg=__128vY3lVAJ8ZjLIyGwOXQ8JFfzA=&h=300&w=289&sz=22&hl=es&start=13&zoom=1&um=1&itbs=1&tbnid=bcVG1-4XuFV8UM:&tbnh=116&tbnw=112&prev=/images%3Fq%3DPassaic%26um%3D1%26hl%3Des%26tbs%3Disch:1
*las consultas de internet se realizaron en octubre de 2010.
Robert Smithson realiza Un recorrido por los monumentos de Passaic, New Jersey (literalmente realiza el recorrido, no solo hace una obra llamada así) y a partir de este expone en la Dwan Gallery en Nueva York. En un principio su recorrido no me pareció muy particular, interesante o siquiera relevante, pero luego de volver a leer el artículo y de leer lo que escribe F. Careri en Walkscapes sobre este proyecto, me pareció sumamente interesante y profundo.
En primer lugar, surge la duda de Careri (y supongo que en todos los que se hayan topado con Smithson) de en que consiste (de facto) la obra Un recorrido…, ya que una cosa es la visita, otra cosa los anuncios o la exposición que presentó. Lo que yo creo es que, de la misma forma en que los situacionistas “superaron” (o desarrollaron mas ampliamente) el concepto de “deriva” originadas de la visitas surrealistas o dadaístas, igualmente Smithson lleva hasta sus “ultimas consecuencias” este mismo concepto. Los situacionistas se quejaban del azar empleado por sus predecesores, así como de la falta de registro de sus deambulaciones y propusieron nuevas reglas y el mapeo de las derivas para profundizar en la experiencia.
Por su parte, Smithson realiza su propia “deriva”, un recorrido, que conduce al visitante por una excursión no solo física sino también mental, en la cual los invita a perderse, explorar y descubrir. Además realiza un mapa del lugar que se visitará junto con sus “monumentos” más significativos. Hasta aquí no difiere demasiado de la propuesta situacionista.
Luego organiza una exposición en donde se exhibirán los monumentos (o por lo menos uno pensaría eso), sin embargo esta sirve para publicitar su viaje e invitar a un turismo suburbano propio. Cabe apuntar que todo este aparato publicitario, como bien dice Careri, también forma parte de la obra.
Al mismo tiempo, escribe un artículo en el que se narra el recorrido, se toman notas y hace descripciones físico-alegórico-metafóricas de los monumentos que va encontrando a su paso.
Y finalmente, también hace un registro fotográfico de sus descubrimientos, llevando a cabo todos los procesos que los situacionistas dejaron en la ambigüedad, gracias a lo cual muchas de sus obras no llegaron a ser muy conocidas ni estudiadas. Ahí reside uno de los principales “avances” de Smithson.
A partir de todos estos elementos desarrolla un par de conceptos que me parece que es muy importante rescatarlos. El primero es el de la “ruina invertida”, la cual surge (generalmente) en espacios como los suburbios, en el que el tiempo parece ausentarse y donde la naturaleza y el entorno se apropian de los elementos artificiales transformándolos en estos monumentos a visitar. Y el segundo que deriva del concepto anterior es el de la “entropologia” que es una especie de nueva disciplina, propuesta por Levi-Strauss, que explica o mide las posibilidades relacionales de cada espacio.
Fuentes:
Smithson, Robert. Un recorrido por los monumentos de Passaic, New Jersey.
Careri, F. Walkscapes. El andar como practica estética. Ed. Gustavo Gili. Barcelona, España. 2002.
http://www.google.com.mx/imgres?imgurl=https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhML8wyQiTaHTDzevd4ZUy3WD7KyV3CicV5lbOz3EvjjKcTBLYst5eDJO-BT2VrkMrUPr5fEX7zJRhJQchXwsWU9E3Sj6OVt_9iPnW4XBqZ6jiAVh0fz8rLqNfwATIBSpoeVY84QAw-LlaJ/s320/monument-passaic_300.jpg&imgrefurl=http://valentinaleizgold.blogspot.com/2009_04_01_archive.html&usg=__128vY3lVAJ8ZjLIyGwOXQ8JFfzA=&h=300&w=289&sz=22&hl=es&start=13&zoom=1&um=1&itbs=1&tbnid=bcVG1-4XuFV8UM:&tbnh=116&tbnw=112&prev=/images%3Fq%3DPassaic%26um%3D1%26hl%3Des%26tbs%3Disch:1
*las consultas de internet se realizaron en octubre de 2010.
lunes, 7 de septiembre de 2009
lista verbos-sustantivos
VERBOS
SUSTANTIVO
VERBOS PRINCIPALES
Atravesar
Calle
Inventar
Comprender
Rutas
Encontrar
Inventar
Nombres
Comprender
Reconocer
Personas
Observar
Descubrir
Diversidad cultural
Reconocer
Atribuir
Valores estéticos
Recorrer
Comprender
Valores simbólicos
Inventar
Rutas
Asignar
Nombres
Trazar
Croquis
Apropiarse
Espacio
Visitar
Plaza
Recorrer
Museos
Explicar
Direcciones
Acceder
A un recinto, a un espacio
Encontrar
Atajos
Atravesar
Territorio
Reconocer
Un lugar
Inventar
Una geografía
Construir
Relaciones
Encontrar
Objetos
Recoger
Ideas
Dejarse llevar
Por la masa
Cruzar
Avenidas
Examinar
Mapas
Observar
Detalles
Respetar
Señalamientos
Revelar
Significados
Describir
Imágenes
Marcar
Territorios
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Valores estéticos
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Valores simbólicos
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Rutas
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Nombres
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Croquis
Apropiarse
Espacio
Visitar
Plaza
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Museos
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Direcciones
Acceder
A un recinto, a un espacio
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Atajos
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Territorio
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Relaciones
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Ideas
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Territorios
Comentario sobre la obra de Francis Alÿs
Comentario sobre la obra de Francis Alÿs
Para hacer este comentario sobre la obra de Francis Alÿs me basé principalmente en el proyecto Seven Walks, que realizo en Londres, que constó de una serie de videos, de los cuales seleccioné el titulado nightwatch. Esta obra consiste en soltar un zorro en la National Portrait Gallery de Londres cuando esta se encuentra vacía y grabar todos movimientos y recorridos dentro del museo durante toda la noche.
Hay varias ideas que el artista pretende desarrollar con este trabajo, comenzando por el hecho de que se está siendo grabado por las cámaras de seguridad del museo. Esto actualmente es un tema muy controversial, sobre todo en Gran Bretaña, y más a raíz de los atentados que se han sufrido, lo que ha ocasionado que todos los británicos vivan una especie de experiencia del “Big Brother” en todo momento, atentando contra su privacidad. En segundo lugar, esto situación hace referencia también a la “cuasi sacralidad” del museo como recinto e institución, en el cual se necesitan estas cámaras para vigilar lo “bienes” del museo.
Además, hace una crítica a las disciplinas museográficas y curatoriales, quienes trazan estos recorridos dentro de los museos, al compararlos (o compararnos) a ratas de laboratorio que corren por estos laberintos improvisados deliberadamente con el fin de llevar a cabo un experimento.
Me pareció que esta obra podría ejemplificar de manera bastante completa la obra que ha venido realizando Alÿs durante varios años y busque ciertas relaciones de esta obra con algún otro artista contemporáneo. El resultado al que llegue es que en cuanto a la polémica, y posterior critica que se hace sobre el involuntario Big Brother que experimentan en Gran Bretaña con todas estas cámaras, podemos tomar como gran transgresor al artista del graffiti Banksy, que cuenta con toda una serie de obras dedicadas a estas cámaras de vigilancia.
Para hacer este comentario sobre la obra de Francis Alÿs me basé principalmente en el proyecto Seven Walks, que realizo en Londres, que constó de una serie de videos, de los cuales seleccioné el titulado nightwatch. Esta obra consiste en soltar un zorro en la National Portrait Gallery de Londres cuando esta se encuentra vacía y grabar todos movimientos y recorridos dentro del museo durante toda la noche.
Hay varias ideas que el artista pretende desarrollar con este trabajo, comenzando por el hecho de que se está siendo grabado por las cámaras de seguridad del museo. Esto actualmente es un tema muy controversial, sobre todo en Gran Bretaña, y más a raíz de los atentados que se han sufrido, lo que ha ocasionado que todos los británicos vivan una especie de experiencia del “Big Brother” en todo momento, atentando contra su privacidad. En segundo lugar, esto situación hace referencia también a la “cuasi sacralidad” del museo como recinto e institución, en el cual se necesitan estas cámaras para vigilar lo “bienes” del museo.
Además, hace una crítica a las disciplinas museográficas y curatoriales, quienes trazan estos recorridos dentro de los museos, al compararlos (o compararnos) a ratas de laboratorio que corren por estos laberintos improvisados deliberadamente con el fin de llevar a cabo un experimento.
Me pareció que esta obra podría ejemplificar de manera bastante completa la obra que ha venido realizando Alÿs durante varios años y busque ciertas relaciones de esta obra con algún otro artista contemporáneo. El resultado al que llegue es que en cuanto a la polémica, y posterior critica que se hace sobre el involuntario Big Brother que experimentan en Gran Bretaña con todas estas cámaras, podemos tomar como gran transgresor al artista del graffiti Banksy, que cuenta con toda una serie de obras dedicadas a estas cámaras de vigilancia.
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